शास्त्रीय संगीत की शैलियाँ: इतिहास और आधुनिकता। शास्त्रीय संगीत शैली संदेश के क्लासिक्स

"शास्त्रीय संगीत" की अवधारणा शब्दावली की दृष्टि से एक बहुत ही अस्पष्ट अवधारणा है। आम तौर पर स्वीकृत समझ में, शास्त्रीय संगीत वह संगीत है जो समय की कसौटी पर खरा उतरा है और अपनी रचना के बाद कई वर्षों तक लोकप्रिय बना रहा है।

ऐतिहासिक दृष्टि से, "शास्त्रीय संगीत" की अवधारणा में क्लासिकवाद की संगीत परंपरा, या अधिक सटीक रूप से 18वीं और 19वीं शताब्दी की संगीत परंपरा शामिल है। एक अन्य पत्रिका, जिस पर हम ध्यान केंद्रित करेंगे, शास्त्रीय संगीत की उस अवधि को सीमित करती है जब इसकी उत्पत्ति हुई थी, और वर्तमान समय, जब यह अभी भी मौजूद है।

शास्त्रीय संगीत के इतिहास में, विकास की अलग-अलग अवधियाँ प्रतिष्ठित हैं।

पुनर्जागरण

शास्त्रीय संगीत के इतिहास में सबसे लंबी अवधि, 1400-1600 तक फैली। मैं और कला का तेजी से विकास, जिसने विश्व संगीत परंपरा में थॉमस लुइस डी विक्टोरिया, जियोवानी दा फिलिस्तीना, थॉमस टैलिस जैसे संगीतकारों के कार्यों को छोड़ दिया, और शेक्सपियर के संगीत कार्य भी शामिल थे।

बरोक

पुनर्जागरण के बाद बैरोक युग (1600-1750), अधिक जटिल संगीत रूपों, नई शैलियों के उद्भव, विभिन्न शैलियों और पॉलीफोनी की विशेषता है। यह बारोक युग के दौरान था कि ओपेरा और स्टील का विकास हुआ, जो आज तक सुने जाते हैं और विरासत में मिले हैं: जोहान सेबेस्टियन बाख, एंटोनियो विवाल्डी, जॉर्ज फ्राइडरिक हैंडेल।

क्लासिसिज़म

शास्त्रीय संगीत के विकास में शास्त्रीयता का युग 1750-1830 के दशक तक सीमित है, जिसके साथ वियना स्कूल के नाम - मोजार्ट, हेडन, बीथोवेन - हमेशा जुड़े हुए हैं।

फ्रांज जोसेफ हेडन

क्लासिकवाद के युग के भीतर, 1750 में जोहान सेबेस्टियन बाख की मृत्यु और 1770 के दशक में मोजार्ट के परिपक्व कार्य के बीच एक संक्रमणकालीन अवधि प्रतिष्ठित है। इस काल का अपना फ्रांसीसी नाम है - "गैलेंटे"।

सामान्य तौर पर, क्लासिकिज़्म के संगीत में सामंजस्य और संतुलन, रूपों की विहितता, सोनाटा रूप का उद्भव और सिम्फनी का विकास, ऑर्केस्ट्रा का विस्तार और कार्यों की अधिक भावुकता की विशेषता होती है।

प्राकृतवाद

रूमानियत के युग के दौरान, शास्त्रीय संगीत के रूप, शैलियाँ और विचार सक्रिय रूप से विकसित हुए। इस अवधि के कार्यों में भावनात्मक अभिव्यक्ति और नाटकीयता की विशेषता है। यह वह समय था जब कई गीत शैलियाँ, विशेष रूप से गाथागीत, विकसित होने लगीं। संगीत विशेष रूप से लोकप्रिय था, उदाहरण के लिए, चोपिन और लिस्ज़त की रचनाएँ।

फ्रांज लिस्ज़त

रोमांटिक संगीत के संगीतकारों में सबसे पहले बीथोवेन को प्रतिष्ठित किया जाता है, जिन्हें चेरुबिनी के साथ रोमांटिकतावाद का पूर्ववर्ती माना जाता है। बाद में, उनके द्वारा स्थापित संगीत परंपराएं शुबर्ट, वैगनर, त्चिकोवस्की को विरासत में मिलीं...

20वीं सदी का शास्त्रीय संगीत

20वीं सदी में, शास्त्रीय संगीत में प्रयोग की प्रवृत्ति की विशेषता है, जो स्वयं संगीतकार की इच्छा और कल्पना के अलावा किसी अन्य चीज़ तक सीमित नहीं है। एटोनलिज्म (या एटोनैलिटी, यानी टोनलिटी के तर्क की अस्वीकृति) और एलीएटोरिक्स (किसी रचना में तत्वों का एक यादृच्छिक अनुक्रम) जैसी अवधारणाएँ उत्पन्न हुईं।

20वीं सदी के संगीतकारों में राचमानिनॉफ, ब्रिटन, ग्लास, स्ट्राविंस्की और बर्नस्टीन की कृतियों को शास्त्रीय संगीत के रूप में वर्गीकृत किया गया है।

समकालीन शास्त्रीय संगीत को अक्सर उत्तर-शास्त्रीय संगीत के साथ भ्रमित किया जाता है। दरअसल, 20वीं सदी की संगीत शैलियों के बीच की सीमाएं इतनी धुंधली हैं कि किसी निश्चित कार्य को किसी विशेष शैली से जोड़ना कभी-कभी बहुत मुश्किल होता है।

"क्लासिक और आधुनिक"

क्लासिक्स (लैटिन क्लासिकस से - उत्तम, अनुकरणीय, प्रथम श्रेणी) कला के वे कार्य हैं, जो चाहे जब भी लिखे गए हों, सर्वश्रेष्ठ हैं और कई पीढ़ियों के लोगों को उत्साहित करते रहते हैं। उन्हें सामान्य मान्यता प्राप्त है और राष्ट्रीय और विश्व संस्कृति के लिए उनका स्थायी मूल्य है। ये कार्य उच्चतम कलात्मक आवश्यकताओं को पूरा करते हैं; वे सामग्री की गहराई को रूप की पूर्णता के साथ जोड़ते हैं।

शास्त्रीय कला को प्राचीन कला (प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम की कला) कहा जाता है, साथ ही पुनर्जागरण और क्लासिकिज्म की कला भी कहा जाता है।

इसके अलावा, शास्त्रीय संगीत की अवधारणा दुनिया के महानतम संगीतकारों के काम पर लागू होती है। सुदूर अतीत में निर्मित कार्यों और आधुनिक कार्यों को शास्त्रीय कहा जा सकता है।

क्लासिक्स की तुलना अक्सर कला में नए आंदोलनों से की जाती है, जिनकी उपलब्धियाँ अभी तक समय की कसौटी पर खरी नहीं उतरी हैं। समकालीन लोग अक्सर संगीत कार्यों के मूल्यांकन में गलतियाँ कर सकते हैं। ऐसे कई उदाहरण हैं कि कैसे जिन कार्यों को लेखकों के जीवनकाल के दौरान मान्यता नहीं मिली, वे बाद में क्लासिक बन गए और विश्व संगीत कला के स्वर्ण कोष में प्रवेश कर गए। जिसे कल शास्त्रीय कला के लिए एक साहसी चुनौती माना जाता था, आज उसे क्लासिक माना जा सकता है। इसका उदाहरण एस की रचनात्मकता है. प्रोकोफ़िएव, आर. शेड्रिन, ए. श्निटके और अन्य।

शैली के क्लासिक की अवधारणा भी है। इस मामले में, हल्के संगीत के कार्यों को शास्त्रीय कहा जाता है: जैज़, पॉप, रॉक संगीत। तथापि

कई कार्यों का जीवन, जिन्होंने किसी समय व्यापक लोकप्रियता हासिल की है, अल्पकालिक हो सकता है यदि उनमें उच्च कलात्मक योग्यता नहीं है।

संगीत की सभी विविधता को समझने के लिए सीखने के लिए, किसी को काम की सामग्री, उसकी आलंकारिक संरचना, एक निश्चित शैली, कलात्मक आंदोलन से संबंधित समझने का प्रयास करना चाहिए।

शैली शब्द (ग्रीक स्टाइलोस से, शाब्दिक रूप से एक लेखन छड़ी) का अर्थ है लिखावट, जिसमें लेखक की विशेषता, तकनीकों, विधियों और रचनात्मकता की विशेषताओं का एक सेट शामिल है। कला में, युग की शैली (ऐतिहासिक), राष्ट्रीय शैली और व्यक्तिगत शैली - संगीतकार की शैली और यहां तक ​​कि एक विशिष्ट कलाकार की शैली के बीच अंतर होता है।

आजकल, संगीतकारों की रुचि अतीत के शास्त्रीय संगीत में बढ़ रही है। इसके नए संस्करण, व्याख्याएँ और रूपांतर सामने आते हैं, जो आधुनिक श्रोताओं को इसकी ओर आकर्षित करते हैं। विभिन्न शैलियों के संगीत से परिचित होने के कारण, हमें अपने साथियों और सुदूर अतीत के लोगों के साथ संवाद करने का अवसर मिलता है - जैसे कि अलग-अलग समय का दौरा करना हो।

संगीत थिएटर में.

नाटकीयता, नाटकीयता - ये शब्द नाटक शब्द से बने हैं। लेकिन उनका उपयोग संगीत को चित्रित करने के लिए भी किया जाता है, जो आम तौर पर किसी व्यक्ति के अनुभवों को व्यक्त करता है: पीड़ा, भ्रम, चिंता, विरोध, आक्रोश, आदि। ये भावनाएँ अक्सर लोगों में झड़पों, विवादों और संघर्षों में प्रकट होती हैं। नाटकीयता और संगीत प्रदर्शन इसी पर आधारित है।

संगीतमय नाट्यशास्त्र-प्रणाली अभिव्यक्त करेगी। संगीत और मंचीय कार्यों में नाटकीय क्रिया को मूर्त रूप देने के साधन और तकनीकें। शैली (ओपेरा, बैले, ओपेरेटा)। संगीतमय नाट्यकला कला के रूपों में से एक के रूप में नाटक के सामान्य नियमों पर आधारित है: स्पष्ट रूप से व्यक्त संघर्ष की उपस्थिति, क्रिया और प्रतिक्रिया की ताकतों के बीच संघर्ष में प्रकट, नाटकों के प्रकटीकरण में चरणों का एक निश्चित क्रम। अवधारणा (प्रदर्शनी, कथानक, विकास, चरमोत्कर्ष, उपसंहार), आदि।

ओपेरा (इतालवी ओपेरा से - कार्य, रचना) 16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर इटली में उत्पन्न हुआ। ओपेरा, परिभाषा के अनुसार, "एक मंच प्रदर्शन है जिसमें मंच पर होने वाली कार्रवाई संगीत द्वारा व्यक्त की जाती है, यानी, पात्रों के गायन (प्रत्येक व्यक्तिगत रूप से, या एक साथ, या कोरस में) और ऑर्केस्ट्रा की ताकतों द्वारा इन शक्तियों का एक असीम रूप से विविध अनुप्रयोग, सरल समर्थन आवाज़ों से शुरू होता है और सबसे जटिल सिम्फोनिक संयोजनों के साथ समाप्त होता है।" संगीत मुख्य सामान्यीकरण साधन है, अंत-से-अंत कार्रवाई का वाहक, यह न केवल विभाग पर टिप्पणी करता है; परिस्थितियाँ, बल्कि नाटक के सभी तत्वों को एक साथ जोड़ती हैं, कार्रवाई के व्यवहार के छिपे हुए स्रोतों को उजागर करती हैं। व्यक्ति, उनका जटिल आंतरिक रिश्ते, अक्सर काम के मुख्य विचार को सीधे व्यक्त करते हैं।

ओपेरा महाकाव्य, गीतात्मक, नाटकीय या हास्यपूर्ण हो सकते हैं।

दिलचस्प लिब्रेटो और अभिव्यंजक संगीत पर आधारित ओपेरा का जीवन लंबा होता है, जो पात्रों के चरित्रों को पूरी तरह से प्रकट करता है।

थिएटर के नियमों के अनुसार, ओपेरा को क्रियाओं (अभिनय), क्रियाओं को चित्रों में और चित्रों को दृश्यों में विभाजित किया गया है।

आमतौर पर, एक ओपेरा एक परिचय, या प्रस्तावना के साथ खुलता है, जो प्रदर्शन के विचार को व्यक्त करता है। ओपेरा के मुख्य पात्रों की मुख्य विशेषताएँ अरिया, गीत, कैवटीना, युगल, तिकड़ी आदि हैं, जिनमें पात्रों की भावनाएँ और अनुभव यादगार धुनों में सन्निहित हैं। "आधा गायन, आधा भाषण" को सस्वर पाठ कहते हैं।

ओपेरा की एक ख़ासियत यह है कि इसके पात्र कभी-कभी एक ही समय में अपने-अपने हिस्से गाते हैं। इस प्रकार संगीतकार अपने पात्रों के विचारों और भावनाओं को एक समूह में प्रकट करता है - एक सामंजस्यपूर्ण संयुक्त ध्वनि। भीड़ वाले दृश्यों में एक गाना बजानेवालों का समूह होता है, जो अक्सर मुख्य में से एक के रूप में कार्य करता है

ओपेरा के पात्र या मंच पर क्या हो रहा है उस पर टिप्पणियाँ। कथानक, ओपेरा के निर्माण के समय और थिएटर की क्षमताओं के आधार पर, ओपेरा में नृत्य और यहां तक ​​कि बैले दृश्य भी हो सकते हैं।

ओपेरा में ऑर्केस्ट्रा की भूमिका अत्यंत महत्वपूर्ण है। वह गायकों और कोरस के साथ जाता है, ओपेरा में पात्रों के बराबर भागीदार के रूप में कार्य करता है, और कभी-कभी एक स्वतंत्र चरित्र के रूप में कार्य करता है। ओपेरा के आर्केस्ट्रा एपिसोड (ग्नोमेरेस) श्रोताओं को कार्रवाई के विकास की मुख्य रेखाओं को समझने में मदद करते हैं।

ओपेरा "इवान सुसैनिन"।

ओपेरा () "इवान सुसैनिन" ("ज़ार के लिए जीवन") श्रोताओं की कई पीढ़ियों में अपने लोगों के इतिहास में भागीदारी की भावना पैदा करता है। यह इवान सुसानिन की आत्मा की महानता को प्रकट करता है - मातृभूमि के प्रति समर्पित एक नागरिक, एक पिता जो अपने परिवार से प्यार करता है। ये मानवीय गुण आज भी हममें से प्रत्येक के लिए महत्वपूर्ण हैं।

ओपेरा की नाटकीयता दो ताकतों के बीच संघर्षपूर्ण टकराव, विपरीत संगीत विषयों के विकास पर आधारित है: रूसी गीत और पोलिश नृत्य और वाद्य संगीत।

ओपेरा में चार अंक और एक उपसंहार शामिल है।

यह कार्रवाई 1612 की शरद ऋतु और 1613 की सर्दियों में होती है।

(अधिनियम 1 - डोमनीनो गांव में, अधिनियम 2 - पोलैंड में, अधिनियम 3 - सुसानिन की झोपड़ी में, अधिनियम 4 - जंगलों में, उपसंहार - मॉस्को में रेड स्क्वायर पर)।

परिचय (ओपेरा का परिचय) में, कोरस "माई मदरलैंड" बजता है, जो जीत के लिए रूसी लोगों की अदम्य इच्छा का प्रतीक है।

अधिनियम 1: ग्रामीणों और सुसानिन के परिवार के शांतिपूर्ण जीवन की एक तस्वीर मंच पर सामने आती है। डोमनीनो गांव के किसान खुशी-खुशी मिलिशिया का स्वागत करते हैं। केवल एंटोनिडा दुखी है. वह अपने मंगेतर, बोगदान सोबिनिन की वापसी की प्रतीक्षा कर रही है, जो पोलिश कुलीन वर्ग को नष्ट करने के लिए अपने अनुचर के साथ गया है। उसकी कैविटीना ईमानदारी और कोमलता से भरी है, और उसका सुरुचिपूर्ण, जीवंत रोंडो लड़कियों के सपनों की उज्ज्वल, आनंदमय दुनिया को प्रकट करता है: "हर सुबह, हर शाम, मैं अपने प्रिय मित्र से मिलने के लिए उत्सुक रहती हूं।" सुसैनिन अपनी बेटी की भावनाओं को समझता है, लेकिन वह उसे इस कठिन समय में आने वाली परीक्षाओं के लिए तैयार करना चाहता है। अभी शादी के बारे में सोचने का समय नहीं है. अचानक नदी से एक गाना आता है। यह सोबिन अपने दल के साथ लौट रहा है। वह अच्छी खबर लेकर आया: मिनिन और पॉज़र्स्की ने रूसी सेना का नेतृत्व किया, और सैन्य लोग हर जगह से उनके पास आ रहे थे। किसान आनन्द मना रहे हैं: मुक्ति का समय निकट है। शादी को स्थगित करने के सुसैनिन के फैसले ने सोबिनिन को परेशान कर दिया: आखिरकार, वह शादी के लिए अपने पैतृक गांव लौट आया। पहले तो सुसैनिन अड़े रहे, लेकिन जब उन्हें पता चला कि मॉस्को में दुश्मनों को घेर लिया गया है, तो वह सहमत हो गए।

अधिनियम 2: यहां जीत की आशा कर रहे पोलिश विजेताओं की एक सामान्यीकृत छवि सामने आई है। राजा सिगिस्मंड III के प्राचीन पोलिश महल में, अभिमानी कुलीन, अपनी जीत में आश्वस्त होकर, आनंदपूर्वक दावतें मनाते थे। चमकदार रोशनी वाला हॉल मेहमानों का आनंद लेने से भरा हुआ है। अचानक एक दूत के आने से नृत्य बाधित हो जाता है। वह भाड़े के सैनिकों की हार और मॉस्को में पोलिश टुकड़ी की घेराबंदी पर रिपोर्ट करता है। कुलीन वर्ग उथल-पुथल में है. शूरवीर युद्ध के लिए तैयार हो रहे हैं, अपने हथियारों को शेखी बघारते हुए, "घृणित स्मर्ड्स" पर विजय पाने की कसम खा रहे हैं।

अधिनियम 3: सुसैनिन के घर में वे एंटोनिडा और सोबिनिन की शादी की तैयारी कर रहे हैं। सुसैनिन का दत्तक पुत्र वान्या सोबिनिन के साथ डंडे के खिलाफ जाने का सपना देखता है। प्रवेश करने वाले किसान दूल्हे और दुल्हन को बधाई देते हैं, सुसैनिन उन्हें शादी में आमंत्रित करते हैं। अचानक घोड़े की टाप सुनाई देती है। दरवाज़ा खुलता है और डंडे झोपड़ी में प्रवेश करते हैं। मास्को जाने के लिए उन्हें एक गाइड की आवश्यकता है। यह व्यर्थ है कि सुसैनिन के दुश्मनों ने उसे मना लिया - वह देशद्रोही नहीं बनेगा। फिर डंडे सुसानिन को सोना चढ़ाते हैं। अप्रत्याशित रूप से, सुसैनिन सहमत है: वह डंडों को एक अभेद्य जंगल में ले जाने के विचार से चकित है। अपने दुश्मनों से गुप्त रूप से, वह मिनिन को खतरे के बारे में चेतावनी देने के लिए वान्या को भेजता है और डंडे के साथ निकल जाता है। जो कुछ हुआ उसके बारे में जानने के बाद, सोबिनिन और उसका दस्ता अपने दुश्मनों का पीछा करने के लिए दौड़ पड़े।

भावनात्मक अनुभवों का नाटक एंटोनिडा के रोमांस ("मैं उसके लिए शोक नहीं मना रहा हूं, गर्लफ्रेंड") द्वारा व्यक्त किया गया है, जो गर्लफ्रेंड के विवाह गायन के सरल संगीत में बुना गया है।

वान्या ने रूसी सैनिकों को पोलिश टुकड़ी के आगमन की सूचना दी। योद्धा दुश्मनों को हराने और सुसैनिन को बचाने के लिए दृढ़ संकल्पित हैं। मिनिन के नेतृत्व में, वे दुश्मन से मिलने के लिए आगे बढ़ते हैं।

अधिनियम 4: थके हुए, जमे हुए डंडे घने, अभेद्य जंगल में भटकते हैं। दुश्मनों को संदेह है कि सुसैनिन अपना रास्ता भटक गई है। अंत में टुकड़ी आराम के लिए रुकती है, डंडे सो जाते हैं। सुसैनिन को नींद नहीं आ रही है. वह जानता है कि मृत्यु उसका इंतजार कर रही है: डंडे सच्चाई को समझते हैं। मरना कठिन था, लेकिन उन्होंने अपना कर्तव्य पूरा किया। सुसैनिन की सस्वर ध्वनि और अरिया ध्वनि। एक बर्फ़ीला तूफ़ान उठता है, और हवा की सीटी में सुसैनिन बच्चों की आवाज़ की कल्पना करती है। यह उज्जवल होता जा रहा है. जागृत ध्रुव यह जानकर भयभीत हो जाते हैं कि वे घने जंगल से बाहर नहीं निकल पाएंगे। सुसैनिन, विजयी होकर, पैनम को भयानक सच्चाई बताती है। क्रोधित डंडों ने उसे मार डाला।

उपसंहार: मॉस्को में, रेड स्क्वायर पर, लोग रूसी सैनिकों का स्वागत करते हैं। वान्या, एंटोनिडा और सोबिनिन भी यहां हैं। लोग मुक्ति का जश्न मनाते हैं और उन नायकों का महिमामंडन करते हैं जिन्होंने दुश्मन पर जीत के लिए अपनी जान दे दी। अंतिम कोरस "ग्लोरी!", एक विजयी लोक छावनी की भावना में लिखा गया है, जो प्रकाश फैलाता है और लोगों की विजय और उल्लास को व्यक्त करता है।

प्रीमियर - 27 नवंबर (9 दिसंबर), 1836 सेंट पीटर्सबर्ग बोल्शोई थिएटर में।

ओपेरा के साथ रूसी संगीत कला में एक नया युग शुरू हुआ और रूस में ओपेरा शैली के विकास का पूरा मार्ग निर्धारित हुआ।

ओपेरा "प्रिंस इगोर"

रूसी संगीतकार द माइटी हैंडफुल के समुदाय का सदस्य ओपेरा "प्रिंस इगोर" () भी रूसी इतिहास के पन्नों को समर्पित है। ओपेरा का कथानक प्राचीन रूस की देशभक्ति कविता "द टेल ऑफ़ इगोर्स कैम्पेन" पर आधारित है, जो अन्य ऐतिहासिक दस्तावेजों और इतिहास द्वारा पूरक है। यह जीत के लिए समर्पित नहीं है, जिनमें से रूसी हथियारों के पास बहुत कुछ था, बल्कि हार के लिए समर्पित है, जिसके परिणामस्वरूप राजकुमार को पकड़ लिया गया और उसका दस्ता नष्ट हो गया।

ओपेरा की नाटकीयता दो विरोधी दुनियाओं, दो ताकतों की तुलना पर आधारित है: रूसी - प्रिंस इगोर अपने बेटे व्लादिमीर और उसके दस्ते के साथ, राजकुमारी यारोस्लावना, उसके भाई व्लादिमीर गैलिट्स्की, और पोलोवेट्सियन - खान कोंचक, उनके योद्धा।

कार्रवाई होती है: प्रस्तावना में, पहले और चौथे कृत्य में - पुतिवल शहर में, दूसरे और तीसरे कृत्य में - पोलोवेट्सियन शिविर में।

समय: 1185

प्रस्ताव। प्राचीन रूसी शहर पुतिवल में, प्रिंस इगोर और उनके अनुचर पोलोवेट्सियों के खिलाफ एक अभियान पर जाने की तैयारी कर रहे हैं। लोग गंभीरता से राजकुमार का महिमामंडन करते हैं - कोरस "लाल सूर्य की महिमा!" अचानक पृथ्वी अंधकार में डूब जाती है - सूर्य ग्रहण शुरू हो जाता है। इसे एक निर्दयी शगुन के रूप में देखते हुए, लोगों और लड़कों ने इगोर को मना कर दिया; उसकी पत्नी यारोस्लावना भी राजकुमार से रुकने की विनती करती है। लेकिन इगोर अड़े हुए हैं. अपनी पत्नी की देखभाल उसके भाई व्लादिमीर गैलिट्स्की को सौंपकर, वह अपने दोस्तों को दुश्मन के साथ लड़ाई में ले जाता है।

अधिनियम 1: गैलिट्स्की ने इगोर के जाने का फायदा उठाया। वह अपने सेवकों के साथ मिलकर रंगरेलियां मनाता है और दंगे करता है; दंगाई दावत में शराबी सीटी बजाने वाले स्कुला और इरोशका का वर्चस्व है, जो इगोर से भागे हुए सैनिक थे। गैलिट्स्की पुतिवल में राजकुमार बनने का सपना संजोता है, लेकिन इस बीच वह निवासियों पर हर संभव तरीके से अत्याचार करता है। लड़की का साहसपूर्वक अपहरण करने के बाद, राजकुमार अपनी गर्लफ्रेंड को भगा देता है जो उसकी रिहाई के लिए पूछने आई थीं।

लड़कियाँ यारोस्लाव्ना के अहंकारी अपराधी से सुरक्षा चाहती हैं। लेकिन, अपने सभी दृढ़ संकल्प और दृढ़ता के बावजूद, राजकुमारी अपने भाई के साथ सामना करने में असमर्थ है। बॉयर्स बुरी खबर लाते हैं: एक असमान लड़ाई में पूरी सेना की मौत हो गई, इगोर घायल हो गया और अपने बेटे के साथ कैदी बना लिया गया, और पोलोवत्सी की भीड़ पुतिवल के पास आ रही थी। एक खतरे की घंटी सुनाई देती है, जो दुश्मन के आक्रमण की घोषणा करती है।

अधिनियम 2: पोलोवेट्सियन शिविर में शाम। पोलोवेट्सियन लड़कियां गाने और नृत्य के साथ खान की बेटी कोंचकोवना का मनोरंजन करती हैं, लेकिन केवल अपने प्यारे राजकुमार व्लादिमीर के साथ एक सुखद मुलाकात ने सुंदरता की उदासी को दूर कर दिया। इगोर गहरी सोच में है.

प्रिंस इगोर की छवि संगीतकार द्वारा अपने अरिया में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट की गई है। राजकुमार को कुछ भी अच्छा नहीं लगता; वह अपमानजनक हार के विचारों, अपने करीबी लोगों के भाग्य और अपनी मातृभूमि के बारे में विचारों से परेशान है। प्रिंस इगोर का अरिया ऑर्केस्ट्रा द्वारा एक संक्षिप्त परिचय के साथ शुरू होता है। भारी तार नायक की मानसिक पीड़ा को व्यक्त करते हैं। परिचय के बाद सस्वर-ध्यान होता है ("नींद नहीं, पीड़ित आत्मा के लिए आराम नहीं...")। प्रिंस इगोर के दिमाग की आंखों के सामने तस्वीरें चमकती हैं: सूर्य का ग्रहण (दुर्भाग्य का अग्रदूत), हार की कड़वाहट, कैद की शर्म। अरिया के संगीत में एक भावुक अपील सुनाई देती है ("ओह, दे दो, मुझे आज़ादी दो...")। गहरी आत्मीयता और गर्मजोशी से भरी एक नेक धुन, प्रिंस इगोर के अरिया में उनकी पत्नी यारोस्लावना, एक वफादार और प्यारी दोस्त (एरिया का मध्य भाग) की यादों के साथ जुड़ी हुई है। अरिया के सभी सूचीबद्ध एपिसोड हमें प्रिंस इगोर द्वारा अनुभव की गई त्रासदी को महसूस करने की अनुमति देते हैं। वह, साधारण किसान इवान सुसैनिन की तरह, अपनी मातृभूमि के भाग्य के बारे में चिंतित है और अपनी पूरी ताकत से इसकी रक्षा करने का प्रयास करता है।

फेथफुल ओवलूर उसे भागने की पेशकश करता है। इगोर कैद से बाहर निकलने का सपना देखता है, लेकिन झिझकता है - एक रूसी राजकुमार के लिए गुप्त रूप से भाग जाना उचित नहीं है। युद्धप्रिय खान कोंचक ने उनके बड़प्पन और साहस की प्रशंसा की। वह इगोर को एक सम्मानित अतिथि के रूप में प्राप्त करता है। अगर इगोर पोलोवेट्सियों के खिलाफ तलवार नहीं उठाने की बात कहता है तो खान उसे जाने देने के लिए भी तैयार है। लेकिन इगोर ने साहसपूर्वक घोषणा की कि, स्वतंत्रता प्राप्त करने के बाद, वह फिर से खान के लिए रेजिमेंट इकट्ठा करेगा। राजकुमार के उदास विचारों को दूर करने के लिए, कोंचक ने दासियों को गाने और नृत्य करने का आदेश दिया।

विशेष कौशल के साथ, संगीतकार संगीत के प्राच्य स्वाद को पुन: पेश करता है, जटिल पैटर्न और यादगार लय के साथ रंगीन धुनें बनाता है। पोलोवेट्सियन दास लड़कियों के गायन मंडली की मंत्रमुग्ध कर देने वाली धुन बजती है, जो पुरुषों की युद्ध जैसी धुन को रास्ता देती है। इसे खान (पोलोवेट्सियन नृत्य) की प्रशंसा करने वाले पोलोवेट्सियनों के एक समूह द्वारा उठाया गया है।

अधिनियम 3: खान की सेना प्रचुर लूट के साथ लौटती है। उनसे अपने मूल पुतिवल पर आए दुर्भाग्य के बारे में जानने के बाद, इगोर भागने का फैसला करता है और, जब गार्ड सो जाते हैं, तो वह ओवलुर के साथ एक समझौते पर आता है। कोंचकोवना, जिसने यह बातचीत सुनी, व्लादिमीर से उसे न छोड़ने की विनती की। लेकिन प्रेम राजकुमार की आत्मा में कर्तव्य की भावना से लड़ता है। तब कोंचकोवना सोते हुए शिविर को जगाता है और व्लादिमीर को हिरासत में लेता है; इगोर भागने में सफल हो जाता है। क्रोधित खान राजकुमार की मृत्यु की मांग करते हैं, लेकिन कोंचक व्लादिमीर को अपना दामाद घोषित करता है।

अधिनियम 4: पुतिवल में सुबह-सुबह, यारोस्लावना शहर की दीवार पर फूट-फूट कर रो रही है (यारोस्लावना का विलाप)। यारोस्लावना के संगीतमय चरित्र-चित्रण में, संगीतकार ने वास्तव में लोक धुनों का उपयोग नहीं किया, लेकिन यह विलाप और विलाप की प्राचीन गीत शैलियों के लोक स्वरों से व्याप्त है।

यारोस्लावना प्रिय इगोर को अपने पास लौटाने की प्रार्थना के साथ हवा, सूरज और नीपर की ओर मुड़ती है। दूर से सवारियाँ दिखाई देती हैं। यह इगोर है, ओवलुर के साथ। स्तब्ध स्कुला और इरोशका उन्हें देखते हैं। साधन संपन्न स्कुला लोगों को राजकुमार की वापसी की सूचना सबसे पहले देने के लिए घंटी बजाने की पेशकश करता है। युक्ति सफल हो जाती है. जश्न मनाने के लिए, हॉर्न बजाने वालों को माफ कर दिया जाता है। लोगों के साथ मिलकर वे इगोर का स्वागत करते हैं।

संगीत थिएटर में.

बैले (इतालवी बैलेटो से - नृत्य) 14वीं - 15वीं शताब्दी में पुनर्जागरण के दौरान उत्पन्न हुआ। इटली में। इस समय, वे मनोरंजन के उद्देश्य से जीवन के तरीके के रूप में रोजमर्रा के नृत्य और मंच नृत्य के बीच अंतर करना शुरू कर देते हैं।

बैले एक संगीतमय और नाटकीय कार्य है जिसमें क्रिया को नृत्य और मूकाभिनय के माध्यम से व्यक्त किया जाता है। वे ओपेरा में गायन के समान भूमिका निभाते हैं। ओपेरा और बैले दोनों में, सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि का बहुत महत्व है: संगीत नाटक के सभी तत्वों को एक साथ जोड़ता है और, पात्रों के जटिल आंतरिक संबंधों को प्रकट करते हुए, काम के मुख्य विचार को व्यक्त करता है।

बैले प्रदर्शन के कार्यक्रम को पढ़ते समय, दर्शकों को पास डी ड्यूक्स (दो के लिए नृत्य), पास डी ट्रोइस (तीन के लिए नृत्य), ग्रैंड पास (बड़ा नृत्य) जैसे फ्रांसीसी शब्द मिल सकते हैं। इसे ही व्यक्तिगत बैले नंबर कहा जाता है। और सुंदर इतालवी शब्द एडैगियो, जो संगीत की गति को दर्शाता है, का उपयोग बैले में मुख्य पात्रों के धीमे गीतात्मक नृत्य का वर्णन करने के लिए किया जाता है।

बैले प्रदर्शन में नृत्य के मुख्य प्रकार शास्त्रीय और चरित्र हैं। विशिष्ट नृत्यों में लोक और रोजमर्रा की संस्कृति में आम गतिविधियां शामिल हैं। शास्त्रीय नृत्य अधिक पारंपरिक है, आलंकारिक प्रतीकवाद से समृद्ध है, इसकी ख़ासियत यह है कि यह नुकीले जूतों पर किया जाता है।

बैले प्रदर्शन का निर्देशक एक कोरियोग्राफर (जर्मन से - बैलेमिस्टर) होता है, जो प्रदर्शन की समग्र नाटकीयता विकसित करता है, छवियों के लिए नृत्य, इशारों और प्लास्टिक समाधानों के "ड्राइंग" के माध्यम से सोचता है।

बैले प्रदर्शन में एक महत्वपूर्ण भूमिका सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के संचालक की होती है। उनके काम में मुख्य बात संगीतकार की योजना को साकार करने, काम की शैली को प्रकट करने, कोरियोग्राफर के विचार, एकल नर्तकियों की व्यक्तित्व और सामूहिक नृत्य करने वाले कोर डी बैले के कौशल के साथ संयोजन करने की क्षमता है। दृश्य.

एक आधुनिक बैले प्रदर्शन शास्त्रीय बैले प्रदर्शन से कई मायनों में भिन्न होता है। इसमें लयबद्ध नृत्य, मूकाभिनय, कलाबाजी के तत्व, प्रकाश और ध्वनि प्रभाव, मूल दृश्य और वेशभूषा और यहां तक ​​कि गायन (गाना बजानेवालों) भी शामिल हो सकते हैं। आधुनिक बैले की नई संगीत भाषा के लिए यह आवश्यक है।

अवधारणा "शास्त्रीय संगीत"(अंग्रेज़ी) शास्त्रीय संगीत) बहुत व्यापक और बहुआयामी है। आमतौर पर यह शब्द अतीत के संगीत को संदर्भित करता है जो समय की कसौटी पर खरा उतरा है और हमारे समय में इसके श्रोता हैं। शास्त्रीय संगीत विभिन्न शैलियों की संगीत कला का सर्वोत्तम उदाहरण है। एक नियम के रूप में, वे "अकादमिक" शैलियों और रूपों पर आधारित हैं: सिम्फनी, ओपेरा, ऑरेटोरियो, सोनाटा, प्रस्तावना, सुइट, ओवरचर, आदि। ये शैलियाँ 17वीं-19वीं शताब्दी में यूरोप में बनाई गई थीं और मधुर और हार्मोनिक पर आधारित हैं सिद्धांतों।

शास्त्रीय संगीत में प्रयुक्त मुख्य वाद्ययंत्र 19वीं सदी के मध्य से पहले सामने आए। इनमें एकल वाद्ययंत्र (ऑर्गन, हार्पसीकोर्ड, पियानो) और ऑर्केस्ट्रा में बजाने के लिए बने वाद्ययंत्र शामिल हैं। शास्त्रीय संगीत में विशिष्ट प्रदर्शन पद्धति एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा है। इसमें लकड़ी, तार, पीतल और ताल वाद्य शामिल हैं।

शास्त्रीय संगीत के इतिहास में मील के पत्थर:

प्राचीन काल(400 वर्ष तक)

मध्य युग(400-1400 वर्ष)

इस समय, मुख्य संगीत हस्तियाँ ट्रौबैडोर्स और ट्रौवेरेस (एडम डे ला हाले), मिनेसिंगर्स (वाल्टर वॉन डेर वोगेलवेइड, वोल्फ्राम वॉन एसचेनबैक) और पादरी थे। संगीत स्टाफ का आविष्कार किया गया था (बेनेडिक्टिन गुइडो (गुइडो डी'अरेज़ो)।

पुनर्जागरण(XV-XVII सदियों)

उस समय के मुख्य संगीतकार जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीना, थॉमस टैलिस और टॉमस लुइस डी विक्टोरिया हैं। विभिन्न प्रकार के झुके हुए तथा कुंजीपटल यंत्रों का आविष्कार हुआ है।

बरोक(XVII-मध्य-XVIII शताब्दी)

प्रसिद्ध नाम: जोहान सेबेस्टियन बाख, एंटोनियो लुसियो विवाल्डी, जॉर्ज फ्राइडरिक हैंडेल और हेनरी परसेल। आधारित रूप: ओपेरा, ऑरेटोरियो, टोकाटा, फ्यूग्यू, सोनाटा, सुइट, ओवरचर, कॉन्सर्टो। अंग संगीत, छेड़े गए तार और वुडविंड वाद्ययंत्रों का उत्कर्ष।

क्लासिसिज़म(मध्य 18वीं-मध्य 19वीं शताब्दी)

यह अवधि शानदार संगीत प्रतिभाओं से जुड़ी है: मोजार्ट (वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट), प्रारंभिक बीथोवेन (लुडविग वान बीथोवेन), फ्रांज जोसेफ हेडन। संगीत रचना का आगे विकास निर्धारित किया गया था। सिम्फनी का रूप मानकीकृत है। स्ट्रिंग चौकड़ी जैसा प्रदर्शन का एक रूप सामने आया।

प्राकृतवाद(19वीं से 20वीं शताब्दी के मध्य)

बीथोवेन (लुडविग वान बीथोवेन), चोपिन (फ्राइडेरिक चोपिन), फ्रांज शुबर्ट (फ्रांज पीटर शुबर्ट), त्चिकोवस्की, फ्रांज लिस्ज़त (लिस्ज़ेट फ़ेरेन्क), वैगनर (रिचर्ड वैगनर) दिखाई देते हैं। इस काल में पियानो संगीत का तेजी से विकास हुआ।

XX शतक

प्रसिद्ध नाम: राचमानिनोव, स्ट्राविंस्की, लियोनार्ड बर्नस्टीन, बेंजामिन ब्रिटन और फिलिप ग्लास।

समसामयिक शैक्षणिक संगीत(1975 से सशर्त)

यह इलेक्ट्रॉनिक संगीत के साथ शास्त्रीय संगीत के तत्वों के संश्लेषण द्वारा प्रतिष्ठित है। कुछ सर्वश्रेष्ठ समकालीन संगीतकार: अल्फ्रेड श्निटके, कार्लहेन्ज़ स्टॉकहाउज़ेन, एस.ए. गुबैदुलिना, लिगेटी, ई.वी. डेनिसोव, हिसैशी जो, निकोलस हूपर, जेरी गोल्डस्मिथ, यान टियरसन, लुडोविको इनौडी, डेविड अर्नोल्ड, जॉन बैरी, स्टीव जैब्लॉन्स्की, जॉन विलियम्स, हॉवर्ड लेस्ली। शोरे, हंस फ्लोरियन ज़िमर, अकीरा यामाओका और अन्य।

आधुनिक समय में भी शास्त्रीय संगीत का विकास जारी है, जिसने अन्य संगीत शैलियों को प्रभावित किया है। उदाहरण के लिए, रॉक संगीतकार अक्सर शास्त्रीय स्वर-शैली का उपयोग करते हैं। क्लासिक्स में पूर्ण सामंजस्य और अखंडता होती है।

संगीत कला के सबसे प्राचीन रूपों में से एक है, जिसने समय के साथ न केवल अपनी प्रासंगिकता खोई है, बल्कि और भी अधिक मांग और लोकप्रिय हो गई है। बेशक, इसमें शैलियों, प्रकारों, दिशाओं और स्कूलों की एक बड़ी संख्या है।

इस कला में सबसे बड़े आंदोलनों में से एक शास्त्रीय संगीत है। इसके कई प्रकार हैं, जिनका निर्माण कई सौ वर्षों में हुआ है।

अवधारणा

इससे पहले कि हम शास्त्रीय संगीत की शैलियों के बारे में बात करना शुरू करें, हमें यह समझने की जरूरत है कि इस शब्द का वास्तव में क्या अर्थ है।

कड़ाई से कहें तो, इसका कोई स्पष्ट रूप से परिभाषित अर्थ या परिभाषा नहीं है, इसलिए इसका उपयोग ढीले रूप में किया जाता है और संदर्भ के आधार पर इसके अलग-अलग अर्थ हो सकते हैं।

बहुधा इसका प्रयोग "अकादमिक" के पर्याय के रूप में किया जाता है। यह एक प्रकार का कैनन है जिससे किसी भी संगीत कार्य की शुरुआत होनी चाहिए।

शास्त्रीय संगीत की शैलियाँ: इतिहास और आधुनिकता

इसका स्वरूप यूरोपीय क्लासिकिज्म के युग से जुड़ा है। यह तब था जब कला में इस दिशा का गठन किया गया था। यह प्राचीन लेखकों और नाटककारों के कार्यों पर आधारित था।

यहीं पर क्लासिकवाद के प्रमुख सिद्धांत उभरे, जिन्हें संतुलन, तर्क, स्पष्टता, सामंजस्य और कार्य की पूर्णता, शैली भेदभाव के रूप में तैयार किया जा सकता है। जहाँ तक संगीत की बात है, उन सभी को केवल ओपेरा, ऑरेटोरियो और कैंटाटा जैसी शैलियों में ही साकार किया जा सकता है।

धीरे-धीरे, शास्त्रीय संगीत की संगीत दिशाएँ विकसित हुईं, अधिक जटिल, समृद्ध और प्राथमिक सिद्धांतों से भटक गईं।

इस शैली में काम करने में विशेषज्ञता रखने वाले सबसे प्रमुख संगीतकारों में जे.एस. बाख, ए. विवाल्डी, जी. रॉसिनी, जी. वर्डी, डब्ल्यू. ए. मोजार्ट और एल. वैन बीथोवेन हैं। इन महान रचनाकारों का नाम पूरी दुनिया में जाना जाता है। अधिकांश लोग "शास्त्रीय संगीत" की अवधारणा को इन सांस्कृतिक हस्तियों के कार्यों से जोड़ते हैं।

आज इस प्रकार की कला को प्रभावशाली नहीं कहा जा सकता। लेकिन शास्त्रीय संगीत अभी भी लोकप्रिय है और पारखी लोगों के संकीर्ण दायरे में इसकी काफी मांग है। आधुनिक संगीतकारों में से जिन्हें अपनी कला के प्रतिभाशाली और मान्यता प्राप्त उस्तादों में सुरक्षित रूप से गिना जा सकता है, हमें लुडोविको ईनाउडी, फिलिप ग्लास, हंस जिमर, ली रु मा आदि पर प्रकाश डालना चाहिए।

शास्त्रीय संगीत शैलियाँ: सूची

विकास के सदियों पुराने इतिहास में, बड़ी संख्या में विभिन्न शैलियों और उपशैलियों का निर्माण हुआ है। उनमें से कई आज लोकप्रिय नहीं हैं, लेकिन कुछ आज भी लोकप्रिय हैं।

आइए देखें कि शास्त्रीय संगीत में कौन सी शैलियाँ हैं:

• ओपेरा।
• आपरेटा।
• कन्टाटा।
• ओरटोरियो.
• सिम्फनी.
• सोनाटा.
• सुइट.
• ओवरचर, आदि

निःसंदेह, और भी बहुत कुछ हैं। यहां केवल मुख्य को ही सूचीबद्ध किया गया है। इस लेख के ढांचे के भीतर उनमें से प्रत्येक की विशेषताओं और विशिष्ट विशेषताओं के बारे में बात करने की आवश्यकता नहीं है, लेकिन फिर भी कुछ पर अधिक विस्तार से विचार करना उचित है।

शैलियों की विशेषताएं

सबसे पहले, यह ओपेरा पर विचार करने लायक है। आख़िरकार, यह क्लासिक्स के पहले और सबसे लोकप्रिय तत्वों में से एक है। ओपेरा एक संगीतमय और नाटकीय कार्य है जो पाठ्य घटक, मंच पर कार्रवाई और संगीत संगत से बनता है। यह एक नाटकीय प्रदर्शन से भिन्न है, जहां संगीत एक सहायक साधन है, इसमें माधुर्य एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है, जो पूरे काम को आकार देता है।

सुइट शास्त्रीय संगीत के प्रमुख तत्वों में से एक है। विवरण के अनुसार इस शैली की एक विशिष्ट विशेषता है, जो इसकी चक्रीय प्रकृति है। दूसरे शब्दों में, इसमें कई अलग-अलग हिस्से होते हैं, जिनमें संगीतमय ध्वनि काफी भिन्न हो सकती है और यहां तक ​​कि एक-दूसरे के साथ विपरीत भी हो सकती है।

संगीत की शास्त्रीय शैली का एक उदाहरण सोनाटा भी है, जो चैम्बर ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत का एक टुकड़ा है। कैनन के अनुसार, इसमें पियानो लगभग हमेशा मौजूद रहता है। एक नियम के रूप में, इसकी रचना एकल प्रदर्शन या युगल के लिए की जाती है, लेकिन निस्संदेह, इसके अपवाद भी हैं।

प्रसिद्ध कार्यों के उदाहरण

शास्त्रीय संगीत के अस्तित्व की लंबी अवधि में, बड़ी संख्या में रचनाएँ सामने आई हैं जो दुनिया भर में जानी जाती हैं।

कोई मोजार्ट और उनके प्रसिद्ध ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो", "डॉन जियोवानी" और "द मैजिक फ्लूट" को याद कर सकता है, जो आज भी दिलचस्प और प्रासंगिक लगते हैं। बीथोवेन की 9 सिम्फनी को भी हर कोई जानता है।

बाख के अंग कार्य या वर्डी के ओपेरा भी कम प्रसिद्ध नहीं हैं। उनकी प्रतिभा और प्रतिभा पर किसी को संदेह नहीं होगा। इन रचनाकारों को सही मायने में अपनी तरह का सर्वश्रेष्ठ माना जाता है।

हालाँकि, आधुनिक संगीतकारों में भी कई कलाकार हैं, और उनमें से कुछ के कार्यों को पहले से ही उत्कृष्ट कृति माना जाता है। उदाहरण के लिए, उत्कृष्ट समकालीन संगीतकार हंस जिमर अक्सर विश्व स्तरीय फिल्मों के साथ काम करते हैं, उनके लिए साउंडट्रैक बनाते हैं। उन्होंने "द लायन किंग", "स्पिरिट: सोल ऑफ द प्रेयरी", "इंसेप्शन", "इंटरस्टेलर", "डनकर्क" और कई अन्य फिल्मों के लिए संगीत पर काम किया।

शास्त्रीय संगीत में कौन-कौन सी शैलियाँ हैं, इसका वर्णन ऊपर किया गया, और अब कुछ दिलचस्प तथ्य।

इतालवी वैज्ञानिकों के 2015 के एक अध्ययन ने साबित कर दिया कि मोजार्ट की रचनाएँ सुनने से मस्तिष्क अधिक सक्रिय होने के लिए प्रेरित होता है। बीथोवेन के कुछ कार्यों का उनकी गतिविधि पर विपरीत प्रभाव पड़ता है। मस्तिष्क की सक्रियता बढ़ाने की प्रक्रिया को "मोजार्ट प्रभाव" कहा गया है।

एक और प्रयोग दक्षिण अफ़्रीका में किया गया, जिसका उद्देश्य पौधों पर शास्त्रीय संगीत के प्रभाव की पहचान करना था। जैसा कि यह निकला, विवाल्डी की धुनें सुनने से वे थोड़ा तेजी से बढ़े, और उनके स्वास्थ्य में भी थोड़ा सुधार हुआ। हालाँकि, वैज्ञानिकों का दावा है कि संगीत वाद्ययंत्रों से निकलने वाले कंपन के कारण लाभकारी प्रभाव प्राप्त हुआ, और धुनों और ध्वनियों का स्वयं कोई प्रभाव नहीं पड़ता है।

कई शास्त्रीय संगीतकार दीवाने थे. उदाहरण के लिए, ई. सैटी केवल सफेद भोजन और व्यंजन खाते थे, और आत्मरक्षा के लिए वह हमेशा अपने साथ एक हथौड़ा रखते थे। ए. ब्रुकनर चीजों के प्रति कट्टर थे और लगातार हर चीज को गिनते थे; ऐसे मामले हैं जब उन्होंने शूबर्ट और बीथोवेन की खोपड़ियों को ताबूतों से बाहर निकाला। मोजार्ट के व्यवहार में भी बहुत गंभीर विचलन थे: वह रिहर्सल के दौरान भी बिल्ली की तरह व्यवहार करना पसंद करता था।

अंत में

शास्त्रीय संगीत की सभी अनेक शैलियाँ आज भी अस्तित्व में हैं और विकसित हो रही हैं। आधुनिक संगीतकारों के बीच व्यावहारिक रूप से कोई भी उत्साही रूढ़िवादी नहीं बचा है जो इस कला रूप के सिद्धांतों का सख्ती से पालन करता हो। उनमें से लगभग सभी इस शैली में अपना कुछ न कुछ लाने, उसे बेहतर बनाने, अपनी आवश्यकताओं और आधुनिक वास्तविकताओं के अनुरूप ढालने का प्रयास करते हैं।

बेशक, अधिकांश लोग शास्त्रीय संगीत के अलावा अन्य संगीत शैलियों को पसंद करते हैं। इसलिए, वास्तव में, आज यह एक प्रकार की अभिजात्य कला है जिसकी मांग अपेक्षाकृत कम संख्या में लोगों के बीच है।

"शास्त्रीय संगीत" और "संगीत क्लासिक्स" दो बिल्कुल समतुल्य सूत्रीकरण हैं, जो शब्दावली के ढांचे से मुक्त हैं, जो संगीत संस्कृति की एक विशाल परत, इसके ऐतिहासिक महत्व और आगे के विकास की संभावनाओं को दर्शाते हैं। अक्सर "शास्त्रीय संगीत" शब्द को "अकादमिक संगीत" वाक्यांश से बदल दिया जाता है।

उपस्थिति का इतिहास

शब्दावली के बावजूद, शास्त्रीय संगीत की एक बहुत ही निश्चित ऐतिहासिक उत्पत्ति है जो क्लासिकिज्म के युग के अंतिम ज्ञानोदय काल से जुड़ी है। उस समय की कविता और नाटक प्राचीन लेखकों के कार्यों पर आधारित थे और इस तकनीक ने संगीत संस्कृति को भी प्रभावित किया। त्रिमूर्ति - समय, क्रिया और स्थान, ओपेरा की शैली और साहित्यिक स्रोतों से जुड़ी अन्य संगीत शैलियों में देखी गई थी। ऑरेटोरियोस और कैंटटास पर क्लासिकिज्म की छाप है, जो 17वीं-19वीं शताब्दी का एक प्रकार का मानक है। ओपेरा प्रदर्शनों में प्राचीन काल पर आधारित लिबरेटो का बोलबाला था।

बनने

शास्त्रीय संगीत की लगभग सभी शैलियाँ किसी न किसी रूप में शास्त्रीयता के युग से जुड़ी हुई हैं। संगीतकार ग्लक संगीत के सबसे प्रमुख अनुयायियों में से एक थे; वह अपने कार्यों में उस समय के सभी सिद्धांतों का पालन करने में कामयाब रहे। अतीत का युग स्पष्ट संतुलित तर्क, स्पष्ट योजना, सामंजस्य और, सबसे महत्वपूर्ण, शास्त्रीय संगीत कार्य की पूर्णता से प्रतिष्ठित था। उसी समय, शैलियों के बीच अंतर किया गया था, जब पॉलीफोनी को धीरे-धीरे लेकिन लगातार खारिज कर दिया गया था, और शैली की लगभग गणितीय रूप से सत्यापित परिभाषा ने इसकी जगह ले ली थी। समय के साथ, शास्त्रीय संगीत की शैलियों को उच्च स्तर का शैक्षणिक चरित्र प्राप्त हुआ।

ओपेरा में, एकल भाग संगत आवाज़ों पर स्पष्ट रूप से हावी होने लगे, जबकि पहले प्रदर्शन में भाग लेने वाले सभी लोगों को समान अधिकार प्राप्त थे। प्रभुत्व के सिद्धांत ने ध्वनि को समृद्ध किया, लिब्रेटो ने पूरी तरह से अलग रूप ले लिया, और प्रदर्शन नाटकीय और ओपेरा बन गया। वाद्ययंत्रों की मंडलियों को भी रूपांतरित किया गया, जिसमें एकल वाद्ययंत्र आगे चल रहे थे और पृष्ठभूमि में संगत वाद्ययंत्र चल रहे थे।

दिशाएँ और शैलियाँ

देर से क्लासिकवाद की अवधि के दौरान, नए संगीत "नमूने" बनाए गए। 18वीं शताब्दी के अंत में शास्त्रीय संगीत की शैलियाँ व्यापक हो गईं। ऑर्केस्ट्रा, कलाकारों की टुकड़ी, एकल-गायन और विशेष रूप से सिम्फोनिक समूहों ने संगीत में नए सिद्धांतों का पालन किया, जबकि सुधार को न्यूनतम रखा गया था।

शास्त्रीय संगीत की कौन सी शैलियाँ विशिष्ट हैं? सूची इस प्रकार है:

• विविधताएँ;
• सिम्फनीज़;
• ओपेरा;
• वाद्य संगीत कार्यक्रम;
• कैंटटास;
• वक्ता;
• प्रस्तावना और फ्यूग्यू;
• सोनाटास;
• सुइट्स;
• टोकाटास;
• कल्पनाएँ;
• अंग संगीत;
• रात्रिचर;
• स्वर सिम्फनी;
• पीतल संगीत;
• प्रस्ताव;
• संगीत जनसमूह;
• स्तोत्र;
• शोकगीत;
• रेखाचित्र;
• एक संगीत रूप के रूप में गाना बजानेवालों।

विकास

18वीं शताब्दी के मध्य तक, ऑर्केस्ट्रा को यादृच्छिक आधार पर इकट्ठा किया गया था, और उनकी रचना ने संगीतकार के काम को निर्धारित किया था। संगीत के लेखक को विशिष्ट वाद्ययंत्रों के लिए अपना काम तैयार करना था, अक्सर ये तार और थोड़ी संख्या में वायु वाद्ययंत्र होते थे। बाद में, ऑर्केस्ट्रा स्थायी आधार पर दिखाई दिया, जो काफी एकीकृत था, जिसने सिम्फनी और वाद्य संगीत की शैली के विकास में योगदान दिया। इन ऑर्केस्ट्रा का पहले से ही एक नाम था, वे लगातार सुधार कर रहे थे और निकटतम क्षेत्रों में भ्रमण कर रहे थे।

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, संगीत शैलियों की सूची में कई नई दिशाएँ जोड़ी गईं। ये शहनाई और ऑर्केस्ट्रा, ऑर्गन और ऑर्केस्ट्रा और अन्य संयोजनों के लिए संगीत कार्यक्रम थे। तथाकथित सिम्फनीएटा भी दिखाई दिया, पूरे ऑर्केस्ट्रा की भागीदारी के साथ एक संक्षिप्त। फिर requiem फैशनेबल बन गया।

शास्त्रीय युग के संगीतकार, जोहान सेबेस्टियन बाख और उनके बेटे, क्रिस्टोफ ग्लक, इतालवी और मैनहेम ओपेरा के प्रतिनिधियों ने विनीज़ शास्त्रीय स्कूल का गठन किया, जिसमें हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन भी शामिल थे। इन उस्तादों के कार्यों में, सिम्फनी, सोनाटा और वाद्ययंत्रों के शास्त्रीय रूप दिखाई दिए। बाद में, चैम्बर पहनावा, पियानो तिकड़ी, विभिन्न स्ट्रिंग चौकड़ी और पंचक का उदय हुआ।

क्लासिकवाद के युग के अंत का संगीत आसानी से अगले काल, रूमानियत के समय में परिवर्तित हो गया। कई संगीतकारों ने अधिक स्वतंत्र तरीके से रचना करना शुरू किया; उनका काम लगातार अतीत के अकादमिक सिद्धांतों से परे चला गया। धीरे-धीरे, उस्तादों की नवीन आकांक्षाओं को "अनुकरणीय" के रूप में मान्यता दी गई।

समय की परीक्षा

शास्त्रीय संगीत की शैलियों का विकास जारी रहा और अंत में उन्हें निर्धारित करने के लिए मूल्यांकन मानदंड सामने आए, जिनके द्वारा किसी कार्य की कलात्मकता की डिग्री और भविष्य में उसका मूल्य निर्धारित किया गया। समय की कसौटी पर खरा उतरने वाला संगीत हमेशा लगभग सभी आर्केस्ट्रा के संगीत कार्यक्रम में शामिल किया गया है। दिमित्री शोस्ताकोविच के कार्यों का भी यही हाल था।

19वीं सदी में तथाकथित हल्के संगीत की कुछ श्रेणियों को शास्त्रीय संगीत शैलियों के रूप में वर्गीकृत करने का प्रयास किया गया था। हम एक आपरेटा के बारे में बात कर रहे थे, जिसे उन्होंने "अर्ध-क्लासिक" कहने में जल्दबाजी की। हालाँकि, यह शैली जल्द ही पूरी तरह से स्वतंत्र हो गई और कृत्रिम आत्मसात की आवश्यकता नहीं रही।